Dalí Atomicus, o cómo se hacen las fotos

DALI ATOMICUS, trabajo final, la foto está basada en la pintura de Dalí, "Leda Atómica"  - Halsman 1948

Woody Allen captado por Halsman 

Phillipe Halsman, fotógrafo, retratista si se quiere catalogar su trabajo, uno de los fundadores de la mítica revista Life, de juventud difícil, acusado de matar a su padre, huyó de su natal Latvia, primero fue a Francia, de ahí a Estados Unidos, todo esto mientras la segunda Guerra Mundial destruía Europa, al llegar a América Halsman ya tenía la reputación del mejor retratista.

Salvador Dalí, español, pintor, un  maestro, influenciado por el renacimiento, el arte moderno y la iglesia católica ha sido uno de los personajes más celebrados de siglo XX y además de los menos entendidos. Cuando Salvador Dalí (aunque su verdadero nombre era Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech) llegó a Estados Unidos tuvo la fortuna de posar para Halsman, o ¿Halsman tuvo la fortuna de hacer fotos a Dalí?, como sea la química entre ellos fue instantanea, desde 1941 trabajaron juntos.

Cristo Crucificado de Dalí

Sacaron dos libros de fotos, uno de ellos dedicado enteramente al bigote de Dalí, de esas sesiones de fotos salió “Dalí Atomicus”, que es una imagen en la que el pintor español está suspendido en el aire mientras pinta además hay tres gatos en el aire y el agua flota en el aire, esa foto es como una pintura del mismo Dalí.

Entonces ¿cómo se hace una foto de este tipo en un tiempo en el que no habían cámaras con tomas continúas, auto enfoque, detector de sonrisa, estabilizador de imagen y un largo etc.?, ¿cómo? se preguntan, pues como se hacen las buenas fotos: con prueba y error.

Halsman cuenta que tardaron más de sesenta tomas para lograr la toma que se quería, diferentes contratiempos, como por ejemplo el salto atrasado de Dalí, los gatos no entran en la toma la silla que flota (que en realidad está sujetada por la esposa de Halsman) le tapa la cara a Dalí, justamente de eso se trata la fotografía, no es, primero que nada, tener la mejor cámara del mercado, ni tampoco el famoso momento oportuno, si no hacer de la foto un arte, hacer una foto va más allá del momento, es poder hacer volar a los demás con algo tan simple como una sola imagen, que las personas encuentren lo que buscan con esa imagen que nació en el cerebro de uno, para que al final de la toma mil quinientos puedas verla y decir lo conseguí.

Los diferentes intentos para lograr la toma.

Para la foto de Dalí Atomicus, se contó con cables que colgaban del techo, los que sostenían los elementos "flotantes", como el caballete, la pintura "Leda Atómica" que sirvió de inspiración, además de la mano que sostiene la silla que en teoría está en el aire. En el proceso de positivado, que es en realidad cuando sale la foto tal como la vemos, es donde se hace el retoque para ocultar los detalles tan obvios que se ven en la toma original.

Esta es la foto original, antes de retocar y ocultar los detalles como los cables y quitar la mano que sostiene la silla.

Además las fotos logran crear el escenario perfecto, no importa que no sea el lugar adecuado para hacer la foto, mientras el fotógrafo sepa lo  que va a hacer, entonces no tendrá limitaciones, no es el  lugar, en todo caso es el fotógrafo.

BLANCO Y NEGRO

En la fotografía actual estamos acostumbrados al color y a la inmediatez, creo que se nos hace un poco difícil concebir una fotografía que no tenga nada de eso, pero hace tiempo la estirpe de fotógrafos era distinta, con más alma que bites.

En los años 30 y 40 hicieron de la fotografía lo que es hoy en día, ellos lograron lo que ahora consideramos “normal”, en un tiempo en el que para hacerlo era arriesgar mucho más que la cámara como es el caso de Charles C. Ebbert que trepado a los hierros de la construcción logró retratar a los constructores de aquello edificios emblemáticos americanos, en el otro caso el fotógrafo inglés Bert Hardy que se dedicó a fotografiar a la Inglaterra de post guerra.

Estos pioneros de  la fotografía hicieron posible lo que en la actualidad nosotros llamamos normalidad.

Almuerzo en la altura, trabajadores tomado un descanso aproximadamente 1932 - Charles C. Ebbert

Charles C. Ebbert

Bert Hardy, en Londres de la post guerra

Bert Hardy, mujer en la estación de Londres en plena guerra

Bert Hardy Barrio Chino

Algunas variaciones sobre la imagen de Charles C. Ebbert

Hypperrealism y Photorealism

Ron Mueck

Hace unos años varias imágenes inundaron internet, unas impresionantes esculturas de personas gigantescas, bebés enormes y partes de cuerpo se volvieron el fondo de varios correos (sí eso fue antes del fenómeno llamado Facebook), correos en los que acompañando las imágenes de estas esculturas tenían una frase “bonita” o pensamiento positivo de esos que abundan en la red, quedando en el aire a quién se le había ocurrido semejante arte y si de plano eran reales o puro photoshop. No pasó mucho tiempo cuando supe que se trataban de esculturas del denominado movimiento artístico Hyperrealism (HIPERREALISMO en español), y que el artífice de esas esculturas gigantescas era un australiano Ron Mueck, hijo de alemanes, el arte de Mueck está más allá de lo normal; pero ¿qué cosa es esto el Hiperrealismo?, es el hijo de la corriente artística de los 60 y 70 que se llamó Photorealism (FOTOREALISMO en español), que se dedicaba a hacer pinturas en base a fotografías previamente tomadas por el artista, uno de sus mejores representantes es el americano Chuck Close con un especial detalle en retratos, con una calidad impresionante.

Dirk Dzimirsky

Paul Cadden

Este tipo de arte ha sido casi underground, se inició en Estados Unidos y Europa y ha crecido en popularidad, la idea es poder captar con detalle una escena o retrato, como si de una imagen de alta resolución se tratara, claro ese concepto se le aplica más a partir del año 2000 cuando se hace popular la alta resolución, sea como fuere el uso de cualquier tipo de expresión artística es válido, es decir puede ser una escultura usando cualquier material que sea lo más real posible a lo que se quiere o pintura sea aerógrafo, óleos, carbón, lápiz, etc., las imágenes son de todo tipo como escenas mundanas, paisajes, ciudades, retratos o simplemente basura acumulada en una esquina.

Claro que en el caso de Patricia Piccinini sudafricana, las cosas se salen fuera de este mudo ella hace unas esculturas de criaturas que nunca existieron, tan reales que muchas de sus esculturas inundaron páginas web de ovnis y de criptozoología, hasta que obviamente se supo la verdad, ninguna de esas criaturas existían de verdad, salvo en la mente de Patricia, el arte no tiene barreras.

En un tiempo donde la inmediatez es lo que manda el hiperrealismo es un arte que nos permite contemplar las cosas a nuestro alrededor como nunca antes lo hemos hecho, al menos para quien escribe ver esas imágenes le permitieron e verdad detenerse y “ver” alrededor, mientras más corremos menos vemos es tiempo de parar y observar alrededor probablemente nos maravillemos de la simpleza que nos rodea.

Patricia Piccinini

Artistas más destacados: Chuck Close, Ron Mueck, Paul Cadden, Dirk Dzimirsky, PatriciaPiccinini.